- Eine
cineastische Odyssee durch die queere Berlinale,
auch erschienen in GIGI - Zeitschrift
für sexuelle Emanzipation, Ausgabe
März/April 2010 -
Zur 60. Berlinale gab
es kleine, Nostalgiegefühle weckende
Vorfilme, die aus alten Wochenschauen und
Fernsehberichten montiert waren: Ein sonderbares
Schmetterlingsballett auf der Pfaueninsel für
die japanische Schauspielerin Izumi Yukimura, aber
auch ein Besuch der jungen Romy Schneider mit
ihrer Mutter Magda im Zoo (mit süßen
kleinen Tierbabys - und natürlich dem Storch
!), das ganze „lustig“ synchronisiert durch den
Nachrichtensprecher. Sehr peinlich auch der
alternde, leicht betrunkene Erroll Flynn, dessen
Gattin ihm den Schlips zurechtzupfen darf,
während er mit der Reporterin flirtet.
Ansonsten sah man viel
Mittelmäßiges auf der Berlinale,
wirklich herausragendes war selten (vielleicht lag
es auch an meiner Auswahl). Nun einiges zu den
Filmen aus den Berlinale-Sektionen Wettbewerb,
Panorama, Forum und Generation, die ich sah:
Sektion WETTBEWERB:
Heteros dürfen offen ficken,
Lesben nur unter der Bettdecke.
Mit hohen Erwartungen
sah ich mir THE KIDS ARE ALRIGHT von Lisa
Cholodenko an. Von dieser Regisseurin stammt
immerhin das grandiose lesbische Heroindrama HIGH
ART aus dem Jahre 1997, das damals mit seinen
realistischen Figuren eine angenehme Abwechslung
zum niedlichen Coming Out-Film à la
BEAUTIFUL THING war. Doch mit THE KIDS ARE ALRIGHT
erlebte ichstatt dessen eine
pseudolesbische Beziehungsklamotte, die
tatsächlich nur für den
Hetero-Mainstream interessant sein dürfte.
Die zwei Kinder eines lesbischen Pärchens
wollen endlich ihren biologischen Vater kennen
lernen, dieser verliebt sich in die eine der
beiden Frauen. Pseudo- deshalb, weil die
Rollen der beiden lesbischen Mütter von
Hollywoodschauspielerinnen gespielt werden, deren
einzige Sexszene noch dazu nur unter der Bettdecke
stattfindet, bei der Sexszene zwischen Julianne
Moore und dem Spermaspender hingegen lässt
die Regisseurin es krachen. Der Film erhielt den
TEDDY AWARD als bester Spielfilm, was Lesben
sicherlich nicht ganz werden nachvollziehen
können.
HOWL
Neben Jack Kerouac und
William S. Burroughs galt Allen Ginsberg als einer
der bedeutendsten Dichter der Beat Poetry
in den Fünfziger und Sechziger Jahren. Rob
Epsteins Spielfilm über Ginsberg behandelt
vor allem dessen legendäres Gedicht „HOWL“,
das 1957 zum Anlass einer Klage gegen den Verleger
wurde. In der Gerichtsverhandlung treten
Sachverständige an, um über Wert oder
Unwert des „obszönen Machwerks“ zu
debattieren. Diese etwas zu ausführlich
dargestellte Verhandlung gilt als die
Geburtsstunde der Gegenkultur. Aus den Protokollen
und aus Briefen wird die Spielhandlung montiert.
Parallel dazu wird das Endlosgedicht in
eindrucksvollen Tricksequenzen visualisiert, die
angelehnt sind an die Bilderwelten Williams
Blakes, der wiederum Ginsberg stark inspiriert
hatte. Visionen von Feen, sexualisierte
Schöpfungsgestalten, düstere Tempel der
Produktionsgesellschaft illustrieren Ginsbergs
Rausch des Dichtens. Als kleines emanzipatives
Statement wird auch die homosexuelle Sinnlichkeit
des Dichters herausgearbeitet, vor allem Ginsbergs
Beziehung zu Neal Cassady. Unverblümt und
direkt wird von den Freuden des Arschficks
gesprochen. Ginsberg hatte sich durch den Vorgang
des Schreibens auf die Suche nach seiner eigenen
Wahrheit begeben, die er manchmal kaum
berührte, wie er selber zugab, doch in „HOWL“
vereinigte er sich glühend mit ihr.
Sektion
PANORAMA:
THE OWLS
Das Haus hat ein
Geheimnis, Lesben kriegen die Midlife Crisis und
fuchteln mit den Knarren herum, und auch die „bitchy
alpha-male lesbian“ ist verschwunden! Mit
der fortschreitenden Anpassung an ein
bürgerliches Spießerdasein setzt sich
Cheryl Dunyes THE OWLS auseinander. Dunye, die mit
THE WATERMELON WOMAN zumindest lesbische
Filmgeschichte schrieb, hat nach vierzehn Jahren
ihren neuen Film gedreht, der nach
Woody-Allen-Manier Krimi und
Beziehungskomödie kombiniert. Die Geschichte,
die interessant anfängt und stellenweise
lustig ist (Zitat „Ich habe deinen
Schwangerschaftstest gefunden!“), zerfasert
leider aus unerfindlichen Gründen. Die
Schüsse, die am Schluss fallen, hört man
nur noch aus dem verdunkelten Bild. Wen sie
treffen, interessiert dann aber auch schon keinen
mehr.
OPEN
Das Phänomen der
Pandrogynie wird erforscht am Beispiel der
Undergroundlegende Genesis P. Orridge, der
zusammen mit seinem Gegenpart Lady Jaye im Jahre
2000 anfing, aus der eigenen Person das
Kunstprodukt „Breyer P. Orridge“ zu erschaffen.
Ziel von P-Orridge und Breyer war es, gemeinsam
einen androgynen Hermaphroditen zu schaffen.
P-Orridge ließ sich als „S/He” zur Mann/Frau
transplantieren und ließ diverse
chirurgische Eingriffe an sich vornehmen:
Brustimplantate, Fettabsaugungen, Hautstraffungen.
Auch seine Zähne wichen einem komplett aus
Gold gefertigten künstlichen Gebiss. Die
beiden sahen mehr und mehr aus wie ein uns
dieselbe Person (leider starb Lady Jaye 2007 an
einem Herzinfarkt). Ihre Geschichte liefert die
Basis für die Spielfilmhandlung von OPEN,
aber auch andere Charaktere treten auf, Pioniere
einer neuen menschlichen Erfahrung – authentische
Hermaphroditen und Transsexuelle präsentieren
auf der Leinwand die neu entstehenden
Möglichkeiten der Menschheit.
Unsere Kultur wird
bunter und vielfältiger dank Hormonbehandlung
und Chirurgie – dies zeigen nicht nur die
leuchtenden Farben des Himmels, der Bäume,
der menschlichen Körper und der
Zimmerwände. Ein Road Movie auf der
Transgender Avenue. Regisseur Jake Yuznas
bezaubernde transsexuelle Romanze erhielt den
TEDDY JURYAWARD.
AMPHETAMINE:
Ein teilweise steriles
Drama aus Hong Kong, Taumel, Strudel, Delirium aus
Liebe, Drogen und Schicksal. Unpraktischerweise
heißt die Hauptfigur Kafka, was in unseren
hiesigen Ohren schon sehr merkwürdig klingt.
Der Kampfsportkünstler Byron Pang, der Kafka
spielt, ist in seiner virtuosen
Körperlichkeit schon fast ein monströser
Anblick, der noch verstärkt wird durch sein
Engelskostüm und die silbern bemalte Haut.
Ein furchtbarer Schatten aus der Vergangenheit
(mit ausgedehnter Vergewaltigungsszene als
Flashback) kehrt wieder und zerstört die
aufkeimende Liebe zwischen Kafka und Daniel. Die
Sucht nach Liebe erweist sich als tödlicher
als die Sucht nach Drogen. Schöne Kamera.
VESELCHAKI (Jolly Fellows)
Ein grässlicher
Priscilla-Verschnitt aus Russland mit furchtbaren
Showeinlagen und einfallslosem Ende: Es siegt die
Homophobie – alle fünf Drag Queens werden
umgebracht. In Russland kommen Tunten
übrigens nicht in den Himmel, sondern sie
gehen über eine langweilige Wiese, und dies
in der Weichzeichner-Optik eines David Hamilton.
Ein Journalist meinte nach der
Pressevorführung, dass der Film überhaupt
keine Kamera habe. Augenschmerzen bekommt
man davon auf jeden Fall.
MINE VAGANTI
Italienische
Familienkomödie: Der eine Bruder kommt dem
anderen zuvor mit seinem Coming Out, dieser muss
nun stattdessen die Nudelfabrik seines Vaters
übernehmen, dabei wollte er doch
Schriftsteller werden.Zum
Glück gibt es noch die zwei lesbischen
Dienstbotinnen und die vier schwulen Freunde aus
Rom (mit Baccara-Szene am Strand). Den
schönsten Selbstmord der diesjährigen
Berlinale begeht die zuckerkranke Mutter der
beiden Söhne: Tod durch eine Überdosis
Patisseriewaren. Was mir aber besonders gefiel,
war die Vermengung von Vergangenheit, Gegenwart
und Zukunft – alles tanzt miteinander, begegnet
sich, war immer da und ist nie weg.
L’ARBRE ET LA FORÊT.
Eine französische
Familientragödie, die an den Kirschgarten
Tschechows erinnert. Nach der Beerdigung seines
ältesten Sohnes hat Frédérick
ein spätes Bekenntnis für seine Familie.
Als Jugendlicher war er wegen seiner
Homosexualität in einem Konzentrationslager.
Die Familie droht an dem plötzlichen
emotionalen Chaos zu zerbrechen, Frieden
verspricht nur der Baum vor dem Haus, den
Frédérick vor sechzig Jahren
pflanzte. Eindrucksvolle Naturszenen von fast
Kubrick’schen Längen werden von Richard
Wagner begleitet.
Alte Schwule, neue Nazis
BLUTSFREUNDSCHAFT von
Peter Kern ist ein äußerst konstruiert
wirkendes Drama um Homosexualität und
Neonazis in Österreich. Der 16-jährige
Axel bewegt sich im Dunstkreis einer Bande von
Neonazis, die ihn zu einer Gewalttat zwingen, bei
der er aus Versehen einen Sozialarbeiter ersticht.
Auf der Flucht vor der Polizei versteckt er sich
in der Wäscherei des achtzigjährigen
Homosexuellen Gustav (Helmut Berger ist ganz
passabel in dieser Rolle). Gustav lässt den
Einbrecher bei sich wohnen, und es entsteht eine
seltsame Freundschaft zwischen den beiden, doch
das Drama nimmt bald seinen Lauf. Die Erinnerungen
an eine Schandtat als Hitlerjunge quälen
Gustav mehr und mehr. Ein paar kabarettartige
Gesangseinlagen im schwulen Nachtklub durchbrechen
die Handlung wie ein Brecht/Weill’sches Element,
auch die transsexuelle „Christina Thürmer“
ist sehenswert. Insgesamt aber folgen die Szenen
zu abgehackt aufeinander, und der Schluss ergibt
keinen Sinn. Zumindest war der sympathische Wiener
Peter Kern nach der Vorstellung persönlich
auf der Bühne, allein das versöhnte mich
wieder.
THE FEAST OF STEPHEN
Zum sardonischen
Gelächter Vincent Prices drehte sich einst
schon Michael Jackson noch mal zum Zuschauer um
mit seinen gelb glühenden Augen und seinem
werwölfischen Grinsen. Genauso lächelt
der Junge in THE FEAST OF STEPHEN, nachdem er von
einer Bande böser Jungen gequält und
schikaniert wurde – und Vincent Price lacht auch
hierzu. Anspielung auf Michael Jacksons sexuelle
Perversionen oder sinnliche Freude des
Masochismus? Wie dem auch sei, der Kurzfilm THE
FEAST OF STEPEHEN, der auch einen TEDDY gewann,
gehört zu den anregenderen Beiträgen.
Sektion
PANORAMA
DOKUMENTE:
I
SHOT MY LOVE
Der israelische
Filmemacher Tomer Heymann filmt unentwegt. Zum
einen seine Mutter (die Bilder der
Hüftoperation wären nicht nötig
gewesen), zum anderen seinen deutschen Freund.
Sollte eine vielleicht kritische
Auseinandersetzung zwischen Deutschland und Israel
sein Ziel gewesen sein? Den Titel „I Shot My Love“
kann man auf zwei Arten interpretieren: Heymann
filmt seine Liebe nicht nur, er tötet sie
auch damit.
MAKING THE BOYS
Der Dokumentarfilm
schildert die Entstehung des Films THE BOYS IN THE
BAND von Mart Crowley, der in den sechziger Jahren
der erste „richtig schwule“ Film war. Das Bonmot „Wen
muss man hier flachlegen, um einen Drink zu
bekommen?“ gehört inzwischen zum
Partytalk-Standard. Viele Beteiligte kommen zu
Wort, die so genannten „Talking Heads“. Der Film
THE BOYS IN THE BAND war vor Stonewall gedreht,
kam aber erst danach in die Kinos und war somit
seltsam anachronistisch. Auch merkwürdig: Es
begann mit ihm die sexuelle Revolution der
Siebziger, doch sämtliche Schauspieler aus
dem Film verstarben in den Achtziger und Neunziger
Jahren an AIDS. So schließt sich ein
Kreislauf, der keiner ist - eine kleine
Schnittmenge aus Vergangenheit und Gegenwart.
ARIAS
WITH
A TWIST
Eine „Docufantasy“. Filmtechnisch werden
neue Maßstäbe gesetzt, zumindest, was
Dokumentarfilme betrifft. Joey Arias, ein
einstiger Weggefährte Klaus Nomis, ist ein
exzellenter Performer (mit einer Stimme mal wie
Billie Holiday, mal wie Marianne Faithfull). Basil
Twist hingegen ist ein Meister des Puppenspiels.
Gemeinsam kombinieren sie ihre Talente und
inszenieren sie eine skurrile Fantasywelt aus
Drag- und Puppenelementen. Ich erinnere nur an die
riesige Torte, aus der zwanzig Tanzbeine ragen.
Den Film kann man sich ansehen, aber auf keinen
Fall sollte man sich die Liveshow entgehen lassen,
die im Sommer auch nach Berlin kommt (Ende der
Werbeunterbrechung).
The first transsexual celebrity
BEAUTIFUL DARLING
Eine weitere
transsexuelle Pioniergestalt war Candy Darling,
eine einsame aber perfekte glamour actress.
Unter all den schillernden Figuren der New Yorker
Subkultur nahm sie eine Sonderstellung ein. Andy
Warhol machte sie berühmt durch seinen Film
FLESH, für Tennessee Williams spielte sie in
dessen Stück SMALL CARFT WARNINGS, und The
Velvet Underground widmeten ihr gleich zwei
Lieder. Doch der Ruhm war nur von kurzer Dauer.
1974 verstarb sie an Leukämie. BEAUTIFUL
DARLING rekonstruiert ihr Leben anhand zahlreicher
Fundstücke, Fotos und Filme aus dem Nachlass
des Stars und erzählt die Geschichte eines
ausgelassenen Bohèmelebens, das nirgendwo
anders als im New York der 60er Jahre möglich
gewesen wäre.
POSTCARD TO DADDY
erzählt die autobiografische Geschichte eines
sexuellen Missbrauchs – die des Autors Michael
Stock durch den eigenen Vater im Alter zwischen
acht und 16 Jahren. 25 Jahre später
konfrontiert er vor laufender Kamera seine Familie
und auch den Vater mit dieser Vergangenheit. Damit
taucht der Regisseur in die Geschichte seiner
linksliberalen Familie ein, in der sexuelle Gewalt
unvorstellbar schien. Dennoch kam es zur
Grenzüberschreitung, aus der jahrelanger
sexueller Missbrauch wurde. Warum dieser nur das
jüngste der drei Kinder traf, ist eine der
vielen Fragen, auf die der Regisseur bis ins
Erwachsenenalter keine Antwort findet. Doch eigene
Scham und Schuldgefühle treiben Michael Stock
immer wieder an, seine traumatische Vergangenheit
zu bewältigen. Daneben gibt Michael Stock
Einblicke in sein extremes Leben, das vom Trauma
seiner Kindheit überschattet ist. Er spricht
über Scham und Schuldgefühle, seine
Promiskuität und den Alltag mit HIV. Einen
Schlaganfall im Herbst 2007 nimmt er zum Anlass,
sich noch einmal seinem Trauma zu nähern. Auf
einer Reise nach Thailand entsteht die POSTCARD TO
DADDY, eine Videobotschaft an den Vater.
ROCK HUDSON:
DARK AND HANDSOME STRANGER
Kaputter Fingernagel,
kaputtes Leben: Eine offensichtlich für das
Fernsehprogramm produzierte Dokumentation
beleuchtet den Filmstar Rock Hudson und seinen
tragischen Tod an AIDS. Leider werden eventuelle
sensible Momente durch den penetranten Soundtrack
niedergebügelt.
Sektion FORUM:
SUNNY LAND:
Es gab Filme auf der
so genannten „Queer List“, die ein
großes G hatten (für GAY als zentrales
Thema), oder ein kleines „g“ (schwuler
Nebenaspekt, aber anderes Thema). SUNNY LAND ist
ein Dokumentarfilm über das umstrittene
Urlaubsparadies Sun City in einem Homeland in
Südafrika. Die zentrale Hauptfigur, ein
junger schwarzer Südafrikaner, liebt den
Filmemacher, doch sind sie kein einziges Mal
zusammen im Bild. Raffinierte Doppelmontagen von
Bildern, Licht- und Klangformspiele. Es war das
allerkleinste „g“.
WORD IS OUT:
Rob Epsteins erster
Dokumentarfilm aus dem Jahre 1977. Wir sehen
Interviews mit 26 Lesben und Schwulen aus einer
anderen Zeit, einer Vergangenheit, nach der man
sich fast zurücksehnen könnte. Fast ist
es ein naiver und sorgenloser Aufbruch der
PionierInnen in die „frohlockenden und
rätselhaften Jahre“ (so drückte es
Foucault einmal aus). Die Interviews sind
teilweise sehr lustig anzusehen, aber auch
bewundernswert mutig und ehrlich. Man spürt
die Freiheit, auf ganz natürliche Art und
Weise ein Coming Out zu haben, ganz ohne Drama und
Tragödie die eigene Sexualität zu
zelebrieren und zum ersten Mal ein Bild der sich
formenden Subkultur zu entwerfen. Aus den
einzelnen Geschichten wird ein Mosaik, das
„Wir“-Gefühl. Vielleicht wäre als
Fortsetzung heutzutage ein Plädoyer gegen
Homonormativität fällig.
EINE
FLEXIBLE
FRAU
Schriebe ich für
EMMA, wäre dies der Film, den ich am meisten
loben würde, eine veritable Geschichte zum
Antifeminismus unserer Zeit. Zum Glück gibt
es auch das kleine „l“. Glaubwürdig und
authentisch wirkt Greta, 40, eine Architektin und
Mutter eines zwölfjährigen Sohns, die
ihren Job verliert. Im Callcenter wird sie aber
schon bald wieder gekündigt, aber sie
lässt sich nicht unterkriegen. Sie fängt
an zu trinken und driftet durch die Stadt –
zwischen Anpassungsdruck und Widerspruchsgeist im
so genannten neuen Berlin, von den
architektonischen Schandtaten bis hin zu den
Ruinen Friedrichshains. Das Schöne an diesem
Film ist auch, dass er an so vielen Orten in der
Stadt spielt, die man kennt, obwohl sie nicht zu
den Zielen der Touristen gehören. Gretas
Sprache ist eigenwillig und intelligent, voller
Zukunftsvision über sich selbst und die
Stadt, doch leider sind die Verhältnisse
anders, das Scheitern folgt der Vision auf dem
Fuße. Ein postfeministischer Blogger
führt das Publikum durch die Stadt. In Gretas
Situationen, Begegnungen, Performances erleben wir
mehr Trip als Plot, Momentaufnahmen einer
zeitgenössischen, brüchigen weiblichen
(Arbeits-)Biografie. Die flexible Frau von heute
ist die allseitig reduzierte Persönlichkeit.
Sektion GENERATION K-PLUS/14-PLUS:
Heutzutage hingegen
wird Schwulsein (oder zumindest Kurzzeittravestie)
für Jungen immer natürlicher. Dies zeigt
sich auch schon in der Sektion GENERATION –
zumindest in dem Kurzfilm FRANSWA SHARL: Der
süße, blonde Greg hat viele Talente und
weiß dies auch, doch sein Vater hat andere
Pläne mit ihm. Beim Familienurlaub auf den
Fiji-Inseln kommt es zum Showdown. Als Gregs
kreative Bemühungen seinen Vater nicht
überzeugen können, setzt Greg alles auf
eine Karte und wagt den provokanten Auftritt auf
dem Schönheitswettbewerb mit dem roten Bikini
seiner Freundin und der Blume im Haar. Der
wunderschönen und superlustigen Geschichte,
die auch den Gläsernen Bären für
den besten Kurzfilm erhielt, liegen wahre
Begebenheiten zugrunde.
GENTLEMEN BRONCOS Pubertierende Science-Fiction-Fans
sind total verklemmt, so will es das Klischee.
Ihre grausigen, selbst geschriebenen
Endlosromane sind bis zur Hyperpulsion mit
sexueller Energie aufgeladen, und sie
visualisieren sich ihre Helden und Heldinnen als
unfassbaren Tuntentrash, den man gerne auch mal
als Teufelsbergproduktion sähe. Dazu kommt
noch die seltsame Mutter des Jungen Benjamin
(wir sind immerhin mitten im ärmsten
Amerika) mit ihren absurden Modekreationen. Den
Film aus der Reihe 14Plus nicht gesehen zu
haben, wäre ein Jammer gewesen.